Урок № 33

История искусства и история человечества. Стиль и направление в изобразительном искусстве.

История искусства формирует наше сознание и восприятие мира, помогает нам развиваться. Ведь история искусства является, прежде всего, историей человечества, с помощью которой мы можем погрузится в мир прошлого.

СТИЛЬ в искусстве – это исторически сложившаяся, относительно устойчивая общность признаков образной системы, средств и приемов художественного выражения, обусловленная единством идейного содержания искусства.

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.

ЗАДАНИЕ

Посмотрите презентацию.

1. нарисуйте составленный вами натюрморт. Но не просто нарисуйте, а выполните свой рисунок в одном из стилей (по выбору). Рисунок должен быть выполнен в цвете.

Видео - урок ССЫЛКА

2. создать коллаж по мотивам работ художников авангардистов (русского авангарда).

ИМПРЕССИОНИЗМ (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро

АБСТРАКЦИОНИЗМ (произошло от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

СЮРРЕАЛИЗМ - направление в искусстве, отличительной особенностью которого является изображение иррационального мира, на картинах присутствуют узнаваемые предметы, но выглядят они странно или в необычной композиции.

ПРИМИТИВИЗМ — стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив — живопись непрофессионалов, а примитивизм — стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

ПОП-АРТ (произошло от англ. popular art — популярное, общедоступное искусство или от pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Художники этого направления воспроизводят типичные предметы современного быта, популярные печатные изображения известных личностей. Отличительная черта поп-арта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно.

ИМП-Арт

Целью имп-арта является изображение невозможных фигур и объектов, т.е. оптической иллюзии изображения трехмерного объекта элементы которого расположены в противоречивой, препятствующей однозначному восприятию взаимосвязи.

Кубизм – (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др

Фовизм – (от fauve – дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока.

Модернизм – (от фр. modern – современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого.

Авангардизм – название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения.

Урок № 28

Искусство иллюстрации. Слово и изображение.

Иллюстрация — рисунок, красочно и эффектно дополняющий содержание книги.

Познакомиться со статьей, которая приведена ниже и презентацией (ССЫЛКА)

Задание: придумать и нарисовать инициал –первую букву своего имени

1. Расположение альбома (зависит от формы инициала)

2. Эскиз карандашом (мачта и декор)

З. Цветовое решение ( многоцветная или одноцветная буквица)

Иллюстрация — это изображение (рисунок, фото или гравюра) для пояснения текста художественного произведения, технической документации или научного труда. Визуальные образы помогают читателю глубже ощутить эмоциональную атмосферу и понять основную суть книги. Иллюстрации широко используются не только в книжном деле, но и в рекламной индустрии, а также в средствах массовой информации.

Иллюстрация к повести Пушкина «Капитанская дочка»

Виды, стили и техники иллюстрации

Для воплощения творческого замысла в рисунке у иллюстраторов есть множество различных инструментов. Для реализации идей существуют всевозможные виды, стили и техники иллюстрирования.

Иллюстрация к басне Крылова «Волк и ягненок»

К основным видам иллюстраций относятся:

Фронтиспис. Размещается на левой странице в развороте с титульным листом книги. Отображает основную идею произведения или представляет собой портрет автора.
Заставка. Располагается в начале главы или книги. Обычно изображает место действия этой части произведения.
Полосная. Занимает всю страницу, часто используется в детских книжках.
Разворотная. Размещается на развороте (двух страницах) книги, используется для освещения наиболее центральных событий сюжета.
Концовка. Логично завершает отдельную часть, главу книги или произведение в целом.
Буквица. Красочно оформленная первая буква текста на странице. Нередко бывает стилизованной под эпоху или жанр книги.

Иллюстрация. Научная иллюстрация к книге по ботанике конца XIX века

Стилистика иллюстраций включает следующие варианты:

Для детских книг. Яркие картинки с изображением основных персонажей занимают значительную часть страниц сказки или веселого рассказа.
Для художественных произведений. Изображения в романах, повестях, рассказах и стихотворениях отличаются глубокой эмоциональной содержательностью.
Для научно-популярной и технической литературы. К таким рисункам предъявляются повышенные требования по достоверности графической информации.
Карикатура. Эти иллюстрации в острой форме высмеивают пороки общества, отдельной группы людей или идеологических противников.
Комикс. Путем последовательного чередования изображений рассказывают читателю небольшую увлекательную историю.

Иллюстраторы применяют в своей работе такие техники создания изображений:

Живописные и графические. С использованием акварели, гуаши, акриловых красок или угля, карандаша и сангины. Часто применяются профессиональными художниками с академическим образованием.
Коллаж. Изображения создаются из кусочков различных материалов, приклеенных к основе.
Аппликация. Схожая с коллажем техника, только частички материалов не приклеиваются, а прикладываются на ткань, картон или бумагу.
Фотомонтаж. Картинки получаются из сочетания отдельных фотографий (частей фото) и дополнительных графических элементов. Часто используется при создании плакатов и рекламы.
Компьютерная графика. Художник рисует с использованием специального программного обеспечения и технологического оборудования.

Иллюстрация к книге «Гарри Поттер и тайная комната»

История развития иллюстрации

Иллюстрация как средство визуального дополнения текста появилась очень давно. Еще в Древнем Египтеписцы на папирусах, помимо содержимого гимнов и заклинаний, размещали изображения для наглядности текста.

Иллюстрации также присутствуют в рукописных европейских книгах разных эпох (от Античности доСредневековья). В книжных миниатюрах Востока (Китая, Японии, Персии) того времени имеются многочисленные изображения на тему охоты, батальных сцен и бытовых сюжетов.

Иллюстрация к средневековой печатной книге

В середине XV века в Европе началась эра книгопечатания. К этому времени относится бурное развитие иллюстрации. Особенностью изображений той поры была их монохромность. Картинки в книгах были черного цвета, как и буквы. Сначала средневековые мастера использовали оттиски с рельефных печатных форм (гравюру), а позже (в конце XVIII века) появилась техника плоской печати (литография).

Иллюстрация к роману Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль»

В 1837 году человечество получило доступ к новому изобретению — фотографии. Одновременно начали развиваться революционные фотохимические способы печати и появилась возможность массово тиражировать многоцветные иллюстрации к сказкам, стихотворениям и другим художественным произведениям.

К концу ХХ века на помощь иллюстраторам пришли развитые компьютерные технологии. Современные дизайнеры чаще всего рисуют картинки на специальном графическом планшете или используют удобную векторную графику.

Иллюстрация была и остается важным инструментом для улучшения восприятия текста читателем. Рисунки старинных мастеров вызывают восхищение, украшают книги сказочников, писателей, поэтов и баснописцев.

Статья с сайта

Урок № 27

Тема: «Место и роль картины в искусстве 20 века»

Многие люди считают, что задача художника создавать на своих полотнах красоту. А как считаете вы?

Давайте отложим этот вопрос, а пока вспомним, а, может быть, и узнаем, какие процессы и изменения происходили в обществе и искусстве конца 19-начала 20 века.

20 век - век острых противоречий, глубоких социальных конфликтов и разочарований и вместе с тем надежд человечества, век настойчивых исканий новых, более совершенных путей развития общества. Он принес с собой глубокие изменения во всех сферах деятельности человека, в том числе идеологии, культуре, искусстве.

Никогда раньше живопись, скульптура и графика не были столь тесно и непосредственно связаны с реальной жизнью, никогда раньше не проявлялась в них так ясно критическая направленность, отрицание всего и вся. Бурно развивающееся искусство утрачивало свою прежнюю стилевую цельность, его развитие становилось все более неравномерным, скачкообразным, творческое взаимодействие отдельных видов искусства нарушалось, возрастали индивидуалистические тенденции. Как в прежние времена, так и в 20 веке художественные стили тесно связуются со смыслами эпохи, с ее мифологией. Очевидно, что место мифа в искусстве новейшего времени занимает научно-технический прогресс, заставивший художников отказаться от привычного взгляда на мир.

Наука пересмотрела большую часть «непреходящих истин» Нового времени, а также изменила отношение к гуманистическим ценностям эпох Возрождения и Просвещения. Каждый стал искать свой выход: одни в продолжение культурной традиции прошлого, вторые – в обретении утраченных связей с природой, третьи – в научно-технической революции, в нигилистическом самоутверждении.

Изобразительное искусство начала 20 века во многом было основано на достижениях русской и европейской живописи конца 19 века. В 1900-1910 годах в изобразительном искусстве появляется множество течений: кубизм, кубофутуризм, супрематизм, экспрессионизм, лучизм. Представители каждого из этих течений объединяются в группы, разрабатывают собственные уставы, в которых описывают свои взгляды на изобразительное искусство. Общим для всех этих направлений является отказ от традиционного искусства, поиск новых форм художественной выразительности. Поиски новых путей, экспериментирование и революционное преобразование, многоликость, разнообразие и контрастность творческих исканий – отличительные особенности искусства 20-21 веков. Изобразительное искусство начала 20 века все настойчивее отходит от принципа жизнеподобия формы. Первыми в этом направлении пошли кубисты, деформировавшие натуру, разложив ее на простые геометрические формы. Их сменили футуристы, воспевающие динамизм жизни и красоту скорости; орфисты, ищущие гармонию в цветовых сочетаниях; пуристы, пропагандирующие машинную эстетику.

Каковы же отличительный особенности каждого из этих направлений?

Постараемся определить эти отличительные особенности. Для этого вашему вниманию представляется презентация, на основании которой вам следует перечислить основные направления искусства 20 века, дать краткую характеристику особенностей каждого из них.

ПРЕЗЕНТАЦИЯ

(В данной презентации представленные не все направления искусства 20 века)

Практическая работа.

Задание: Выполнить эскиз росписи-граффити, отвечающей на один из вопросов:

1. Какие проблемы волнуют человечество, о которых хочется кричать?

2. Какие проблемы волнуют мою страну?

3. Что лично я хочу сказать людям?

Постановка художественной задачи: выполнить работу в соответствии с заданным стилем.

Алгоритм действий:

1. Составление композиции.

2. Прорисовка и уточнение отдельных деталей.

3. Цветовое решение.

Советы:

Подумайте над композиционным решением, создавая целостный образ.

Обратите внимание на асимметрию – интереснее смотрится асимметричная, динамичная композиция.

Не старайтесь делать изображения слишком многоцветными (лучше взять за основу три цвета) или слишком перегруженным мелкими деталями.

Можно использовать контур.

Дополнительная информация.

Модерн (фр. moderne — современный) - художественное направление в искусстве, архитектуре и дизайне, возникшее во второй половине XIX века — начале XX века в Европе как объединяющий различные направления передового искусства.

Отличительными особенностями стиля Модерн являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, “природных” линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Стиль Модерн стремится сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлекая в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Основной принцип стиля Модерн – динамическое равновесие, воплощенное в обтекаемых гибких формах.

Первые шаги Модерн как стиль начинает с живописи и графики. Основным орнаментом и формой декора нового стиля становится изогнутая линия, похожая на локон волос или изгиб стебля растения. Интерьер стиля носит четко выраженный декоративно-прикладной характер ориентированный на подражание природным формам.

Характерные черты стиля Модерн – волнообразно изогнутая линия, сочетающая веяния Востока и стремление к конструктивности. Причудливо изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции. В интерьере, его отделке, большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам, что превращало металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Стилистический диапазон искусства Модерна широк, в нем можно видеть смешение элементов разных стилей. Новые сочетания в декоре необычных материалов и техник – дерево, мозаика, керамическая плитка, бронза, камень, фарфор, витраж.

Абстракционизм (от лат. Abstractus – отвлеченный) – одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах – линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения Абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движение мысли и эмоциональные сопереживания.

Абстракционизм, как направление, возник в начале 20 в. одновременно в нескольких европейских странах. Признанными основоположниками и вдохновителями этого движения считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан, Франтишек Купка и Робер Делоне, изложившие основные положения Абстракционизма в своих теоретических трудах и программных заявлениях. Разные по целям и задачам, их учения были едины в одном: Абстракционизм как высшая ступень развития изобразительного творчества создает формы, присущие только искусству. «Освобожденный» от копирования действительности, он превращается в средство передачи различными изобразительными образами непостижимого духовного начала мироздания, вечных «духовных сущностей», «космических сил».

Футури́зм (лат.futurum– будущее), художественное течение в европейском искусстве (поэзии и живописи) начала 20 в. Идеолог и основатель футуристского движения, возникшего в 1909 г., – итальянский поэт Ф. Т. Маринетти. Основную задачу нового искусства футуристы видели в отказе от всех традиций, в разрыве с идеологией и этическими взглядами, выраженными в творчестве всех предшественников. Футуристы были революционерами в искусстве, некоторые из них считали себя сторонниками социальной революции, а свою роль в современном искусстве видели в том, чтобы обновлять его так же, как обновляют общественную жизнь истинные революционеры.

Поп-арт (анг. Pop art, от popular art – популярное искусство) – направление в искусстве 1950-1960-х гг., для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры. Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства. Поэтому и задача художника – придание обыденному предмету художественных качеств, эстетизация вещного мира.

Художники, добиваясь броскости и наглядности своих творений, используют поэтический язык этикетки и рекламы. Признаки массовой культуры обыгрываются по-разному в произведениях поп-арта, но всегда в неожиданных и абсурдных сочетаниях, тем самым, стремясь отделить вещь от мифа, показать ее истинное значение. У каждого художника своя жанровая специализация. Иногда образы вводятся в картину как прямая цитата в виде коллажа или фотомонтажа, в других случаях имитируются композиционные приемы и техника рекламных щитов, в третьем вещь (например, картинка комикса) увеличивается до гигантских размеров или изготавливается из необычного материала. Помещенный в иной контекст исходный образ утрачивает первоначальную идентичность, парадоксально преобразуется и перетолковывается, обнаруживает свою изнанку, а иногда даже обесценивается.

Мастера поп-арта: Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Том Вессельман, Джэспер Джонс, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенстайн, Клас Ольденбург, Ричард Хэмилтон, Питер Блейк, Мэл Рамос.

Оп-арт (англ. оp art, сокр. От optical art - оптическое искусство) – направление в искусстве, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт как движение зародился в 1950-е гг. Виктор Вазарели – основоположник и лидер оп-арта.

Основа оп-арта – в художественно организованных оптических эффектах ) эффектах пространственного перемещения, парения, слияния форм), которые достигались геометризированными комбинациями линий и пятен с введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, извивающихся линий, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций. Применение зеркал, линз, дрожащих металлических пластинок и проволок, установок меняющегося света, динамических конструкций, усиливает эффект воздействия создает особую эстетическую среду, достигающую высокой степени абстрагирования от конкретного. Иллюзия движения, вспышек света, меняющейся формы и последовательной смены образов возникают в произведениях оп-арта автоматически, т.е. фиктивно, присутствуя только в ощущениях зрителя.

Оп-арт получил широкое признание не только в живописи, но и в прикладном искусстве: в графике, дизайне (мебели, текстиля, росписи стен), в сфере моды и декоративного макияжа.

Мастера оп-арта: Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Хесус Рафаэль Сото, Лари Пунз, Карлос Крус-Диес

Символизм (от греч. Symbolon – знак, символ) – направление в литературе и изобразительном искусстве Европы конца 19 века – начала 20 века. Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения – творческий процесс. Художник становится посредником между нашим иллюзорным миром и сверхчувственной реальностью, выражая в зрительных образах «идею в форме чувств».

Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам.

Мастера символизма: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель.

Фовизм (от фр. les fauves — дикие (звери)) Локальное направление в живописи нач. XX в. Наименование Ф. было в насмешку присвоено группе молодых парижских художников (А. Матисс, А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, Э.-О. Фриез, Ж. Брак, А.-Ш. Манген, К. ван Донген), совместно участвовавших в ряде выставок 1905-1907 гг., после их первой выставки 1905 г. Название было принято самой группой и прочно утвердилось за ней. Направление не имело четко сформулированной программы, манифеста или своей теории и просуществовало недолго, оставив, однако, заметный след в истории искусства. Его участников объединяло в те годы стремление к созданию художественных образов исключительно с помощью предельно яркого открытого цвета. Развивая художественные достижения постимпрессионистов, опираясь на некоторые формальные приемы средневекового искусства (витражи, романское искусство) и японской гравюры, популярной в художественных кругах Франции со времен импрессионистов, фовисты стремились к максимальному использованию колористических возможностей живописи. Природа, пейзаж служили им не столько объектом изображения, сколько поводом для создания экспрессивных, напряженных цветовых симфоний, не порывающих, однако, связей с увиденной действительностью. Основные цветовые отношения и мотивы фовисты брали из природы, но предельно усиливали и обостряли их, нередко использовали цветной контур для отделения пятен цвета друг от друга. Повышенная светоносность («краски буквально взрывались от света», — писал впоследствии А. Дерен) и выразительность цвета, отсутствие традиционной светотеневой моделировки, организация пространства только с помощью цвета — характерные черты Ф. От Ф. оставался один шаг до абстрактного искусства, но ни один из его представителей не сделал этот шаг. Все они после 1907 г. пошли своими путями в искусстве, используя Ф. как некий этап на пути экспериментальных поисков в области живописных средств. Выразительные возможности цвета, выявленные фовистами, активно использовались многими живописцами XX в., начиная с экспрессионистов, абстракционистов и кончая появившимся в 50— 60-е гг. движением «Новые дикие».

Характерные особенности фовизма: предельно интенсивное звучание открытых цветов; сопоставление контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Плоскостная трактовка форм, насыщенность чистых цветов, энергично подчеркнутый контур обусловливают декоративность фовистской живописи.

Кубизм (фр.cubisme, от cube – куб) – художественное направление во французском искусстве начала ХХ века, основателями и крупнейшими представителями которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Термин «кубизм» возник из критического замечания по поводу работ Ж.Брака о том, что он сводит «города, дома и фигуры к геометрическим схемам и кубам». Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни.

По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма.

Основные теоретические идеи кубизма были изложены самими участниками движения (А.Глез и Ж.Метценже «О кубизме», 1912) и симпатизировавшими движению критиками (Г. Аполлинер «Художники-кубисты», 1913). Русский философ Н.А. Бердяев назвал кубизм «самой полной и радикальной революцией со времен Ренессанса». Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Мастера кубизма: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот.

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») – течение в европейском искусстве, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия двадцатого века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к отображению окружающего мира, сколько к выражению художественными способами эмоционального состояния автора.

Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх. Очень распространены мотивы боли и крика.

Экспрессионизм ставит перед собой задачу не столько воспроизведения действительности, сколько выражения порождаемых этой действительностью эмоциональных переживаний. Среди распространенных приемов – различные смещения, преувеличения, упрощения, использование пронзительных, воспаленных красок и напряженных, острых контуров.

Полагают, что сам термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину импрессионизм. Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя, мгновенное впечатление и строит более сложные психические структуры. Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу, как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность.

Драматические полотна Винсента ван Гога, Эдварда Мунка и Джеймса Энсора пронизаны зашкаливающими эмоциями восторга, негодования, ужаса.

Сюрреализм (от фран. surreulisme – сверхреализм) провозгласил источником искусства подсознание человека, его сновидения, галлюцинации, инстинкты, освобожденные от контроля разума.

«Сюрреализм не побоялся стать догмой абсолютного бунта, тотального неподчинения, саботажа, возведённого в правило, и если он чего-либо ожидает, то только от насилия. Простейший сюрреалистический акт состоит в том, чтобы с револьвером в руке выйти на улицу и стрелять наугад, сколько можно, в толпу». Андре Бретон

Австрийский психолог Зигмунд Фрейд открыл для науки подсознательные, инстинктивные области человеческого «я». Он утверждал, что низменные сексуальные влечения индивидов, «загнанные» контролем разума и нравственным «табу» вглубь подсознания, являются как фундаментом жизнедеятельности, так и основным стимулом творчества

Постимпрессионизм – (фр. postimpressionisme, от лат. post – после, т.е. после импрессионизма) – собирательное наименование нескольких направлений французского искусства конца XIX в., возникших вслед за импрессионизмом. Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Единственное, что объединяет всех художников – постимпрессионистов, - это определенное отталкивание от импрессионизма как от некоего фундамента, на основе которого начались их собственные художественно-эстетические искания, выражавшиеся в стремлении передать на полотне не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материального так и духовного происхождения. Эти поиски шли разными путями: и «синтетический» символизм Гогена и «набидов», и «декоративная стихия» модерна Тулуз-Лотрека, и конструктивистское видение мира Сезанна, и сверхчувствительная выразительность формы и цвета Ван Гога, - и явились связующим звеном между искусством XIX и XX вв., дав развитие многим ведущим художественным тенденциям последующего времени.

Мастера постимпрессионизма: Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри Руссо, Анри де Тулуз-Лотрек, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Пьер Боннар, Эдуард Вюйар, Поль Серюзье, Морис Дени, Эмиль Бернар.

Дадаизм (от франц.dada – конек, детская деревянная лошадка) – литературно-художественное движение, получившее развитие во многих странах Европы, а также в США. Дадаизм возник как протест творческой молодежи против мировой войны и культуры, приведшей к ней. Его концепция не содержала позитивных идеалов и была пронизана пессимизмом. Принципами дадаизма стали разрыв с традициями мировой культуры и отрицание всяческих ценностей; представление о мире как о хаосе безумия, которому противопоставляется безумие творческое; алогичность мышления, выведение искусства за грань серьезного, придание ему оттенков веселья и смеха.

Граффити (итал. Graffiti, от graffiare - царапать; другое название spray-art – «пульверизаторное искусство») – произведения, представляющие собой крупноформатные изображения на стенах зданий и сооружений, выполненные с помощью аэрозольных баллончиков с краской.

Граффити пришли их древности: так археологи называли надписи и рисунки, найденные на стенах античных памятников. Как широкое движение оформился в 1970-е гг. с массовым появлением разных надписей на вагонах нью-йоркского метро, на стенах общественных зданий и магазинов. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу 1980-х гг. сформировалось уже целое направление полупрофессиональных художников, некоторые даже пытались выставлять свои творения в галереях и получили известность в художественных кругах.

Современное граффити – это ни на что не похожий стиль в монументальном искусстве, символ урбанизации и высоких технологий. В нем можно выделить два направления – сюжетное и шрифтовое. Первое – декоративные композиции на сюжеты «массовой культуры: изображения самолетов, автомобилей, повседневная жизнь, фрагменты фильмов, комиксов, пейзажей и т.д. Второе направление считается high-классом в уличной живописи и являет собой переплетенные в замысловатом узоре слова и аббревиатуры. Здесь сложилось несколько стилей: Bubble (пузырь) – дутые, округлые буквы, похожие друг на друга; Wild Style (дикий стиль) – самый виртуозный стиль, отличающийся нечитаемостью букв; 3D style (объемный стиль) – самый виртуозный стиль, отличающийся абсолютным объемом букв; Messiah Style - буквы, словно написаны на отдельных листах и наложены друг на друга.

В современной жизни замысловатые рисунки граффити стали неотъемлемой частью городов в самых разных странах мира. Выполненные с невероятной фантазией и мастерством они олицетворяют дух свободного творчества и являют миру непреходящее желание творить Красоту.

Урок № 26

Тема: «Монументальная скульптура и образ истории народа»

Как вы думаете, что такое память?

Возможность запоминать, способность «записывать» информацию, то, где мы храним разные события, даты…

Человек не может жить только сиюминутным ускользающим мгновением. Стремясь в завтра, в будущее, он бережно хранит воспоминания о минувшем. Помнит родных, друзей, отчий дом, школу, в которой учился, светлые и горестные дни. Помнит, потому что иначе не смог бы идти вперед.

Но каждый человек еще и частица своего народа. Поэтому есть у нас и общая память – не забывающая и справедливая Память Народная.

Память Народная – это миллионы жизней, соединенных одним стремлением, мужество и отвага воинов, стойкость и вера матерей, радость побед и печаль поражений.

Память Народная – это Куликово поле и поле Бородинское, и Сталинград, и блокадный Ленинград, и Брест. Мы чтим их как святыню.

Утро 22 июня 1941 г., словно мечом, прорубило глубокую межу в жизни советских людей. По одну сторону остались мирный труд, веселье, праздники, радость созидания, по другую – зловещая воронка войны: развалины, пепелища, разруха, голод, слезы, горе, смерть.

Героизм и самоотверженность стали повседневной жизненной нормой и для тех, кто бился с врагом на полях сражений, и для тех, кто в тылу, порой отказывая себе в самом необходимом, снабжал фронт боеприпасами, продовольствием, оружием.

На вечные времена озарены сиянием воинской славы 13 городов-героев. Они не похожи друг на друга. У них разное географическое положение, историческое прошлое, свои характерные черты жизненного уклада. Но в грозную годину испытаний все они – большие и малые, шумные и тихие – стали городами-солдатами. У их стен гремели особенно ожесточенные бои, здесь в сватках с врагом были проявлены удивительная стойкость и небывалое мужество.

Проходят годы. Эту войну видели только наши деды и прадеды, как же рассказать о Великой Отечественной войне вам, вашим детям, как сохранить эти события в «Памяти Народной»?

Записываются воспоминания ветеранов, пишутся литературные произведения, стихи, сочиняются песни и бережно хранятся песни и стихи военных лет, хранятся фронтовые фотографии, медали, ордена, художники пишут картины, скульпторы создают монументы.

Память Народная живет в камне и бронзе, в словах и нотах, бережно хранится в музейных экспонатах.

Сегодня вы узнаете о «Памяти Народной» в граните и мраморе, о мемориальных ансамблях, которые по праву считаются художественно-монументальной летописью Великой Отечественной войны.

Мемориальный – служащий для увековечивания памяти кого/чего-нибудь.

Ансамбль – произведения, объединенные вместе и связанные друг с другом общим замыслом.

Непросто создать и одну скульптуру – пластичную, выразительную, занимающую свое место в пространстве. А в ансамбле их может быть пять, десять, соединенных одной темой, одним замыслом. Их надо распределить так, чтобы они не только не мешали, но наоборот, помогали – подчеркивали и оттеняли друг друга.

Первый мемориал Евгения Викторовича Вучетича был открыт 8 мая 1949 г. в Трептов-парке в Берлине, куда был перенесен прах погибших в районе Большого Берлина советских воинов. Советский воин-освободитель с немецкой девочкой на руках и скорбные фигуры сидящих солдат.

Автор подчеркивает разные оттенки состояния своих героев. Стоящий солдат только что вышел из схватки с врагом – он был беспощаден. Но рука, сжимающая карающий меч, опущена, ожесточившиеся в бою черты лица смягчены. Потому что другая рука крепко держит, прикрывает плащом от последних вспышек военной грозы ребенка, девочку – маленький комочек Жизни.

А другие солдаты скорбят по погибшим, полны гнева к врагу и как бы советуются: прав ли воин, опустивший меч? Прав, ибо назначение человека – продолжать и охранять Жизнь.

В этом памятнике соединились беспощадность и милосердие, скорбь по погибшим. И еще удивительное состояние передал скульптор: солдаты, отлитые из бронзы, тоскуют по далекой родной земле. Когда в Берлине неожиданный мороз, когда Трептов-парк занесен снегом, фигуры их выступают из снежной белизны черно и печально. Одиночество их потрясает…

Память Народная – это древний курган над Волгой, где сооружен мемориал героям Сталинградской битвы. В дождь ли, в снег ли, июльским раскаленным полднем, осенним сумрачным вечером идут сюда люди из всех стран мира.

Памятник героям Сталинградской битвы – очень сложное единство многофигурных композиций, декоративных стен, здания Зала воинской славы, каскадов лестниц, зеркальной глади водоема, пирамидальных тополей, выстроившихся как в почетном карауле, плакучих ив и трех больших фигур – «Стоящего насмерть», «Скорбящей матери» и «Матери-Родины».

Три основных композиционных узла связывают ансамбль в единое творение и очень точно ведут зрителя от состояния горечи потери, сопереживания скорби матери к победному порыву женщины с мечом.

Создание мемориала было непростым делом.

Чтобы только подготовить поверхность кургана к началу строительства, потребовалось десять лет. Десять лет перебирали землю, освобождая ее от осколков, пуль, снарядов, и на каждом метре находили до двух тысяч металлических частиц. Немало было затаившихся мин и бомб.

Семь тысяч бойцов сражались на Мамаевом кургане и остались здесь навечно. Семь тысяч – их имена мы знаем – …и не счесть безымянных. Непростые чувства переживает человек, поднявшись на вершину кургана: вместе с печалью приходит в сердце отвага, прикосновение к истории заставляет ощутить глубинную связь со своим народом, с Родиной.

Невский мемориал "Журавли" - мемориальный комплекс в Невском районе Санкт-Петербурге, посвященный погибшим в период Великой Отечественной войны.

Ранее на территории между улицами Тельмана и Новоселов, где сейчас находится подворье Александро-Свирского монастыря, находилось Невское кладбище, на котором хоронили погибших в период Блокады Ленинграда. Когда проводилась перепланировка района, это кладбище было аннулировано. А рядом был сооружен мемориальный комплекс, в период с 1977 по 1980 гг. Авторы композиции: архитекторы Д. С. Гольдгор, А. В. Аланнэ, А. П. Изотов, скульптор Л. Г. Могилевский.

В комплекс входят следующие сооружения: мемориальный обелиск, стена с изображением летящих журавлей, памятник девушке с траурным венком, надгробия.

Мемориал "Кировский вал" - мемориальный комплекс в Санкт-Петербурге, посвященный героической защите Ленинграда в годы Великой Отечественной войны. Входит в состав комплекса мемориалов "Зелёный пояс Славы".

В комплекс входит несколько памятников, мемориалов и воинских захоронений в Кировском и Красносельском районах города, где в 1941 г. советскими войсками было остановлено наступление фашистской армии.

Объекты мемориала: памятник "Танк-победитель" и мемориальный дот на пр. Стачек; обелиск у станции "Лигово"; две мемориальные стелы на пр. Маршала Жукова; две мемориальные стелы на Петергофском ш.; воинское захоронение на пр. Ветеранов; Аллея Славы в Полежаевском парке.

Все сооружения были построены силами жителей Кировского района под руководством известных архитекторов и инженеров.

Память Народная – это Монумент героическим защитникам Ленинграда в Санкт-Петербурге. Этот монумент был создан по проекту народных архитекторов СССР Сперанского и Каменского. 9 мая 1975 года состоялось торжественное открытие монумента.

На гранитных пилонах замерли 26 бронзовых скульптур — это защитники Ленинграда. В центральной части находится гранитный обелиск, который является символом победы в одной из самых кровопролитных войн за всю историю человечества. Рядом с обелиском была создана скульптурная группа «Победители»: скульптуры солдат обозначают единство и нерушимость города во время войны. К обелиску ведут широкие лестницы. 23 февраля 1978 года был торжественно открыт подземный Памятный зал. Здесь посетители смогут ознакомиться с документально-художественной экспозицией, которая посвящена обороне Ленинграда.

Память Народная – Пискарёвское мемориальное кладбище в Санкт-Петербурге. «Здесь лежат ленинградцы» — гласит надпись на гранитном фасаде кладбища. В годы войны оно стало местом массовых захоронений мирных жителей и участников ВОВ. По разным данным в земле Пискарёвского кладбища покоится от 470 тысяч до трёх миллионов человек. В центре мемориала находится памятник — шестиметровая скульптура «Мать-Родина» — траурный символ жизни и борьбы города.

Какие чувства и эмоции мы испытываем, глядя на эти мемориальные ансамбли?

Скорбь, печаль, гордость, радость…

Даже сегодня, через столько лет после тех страшных событий, мы испытываем такие же эмоции, рассматривая эти скульптуры. Значит, автору удалось своим творчество сохранить, поддержать «Память Народную».

Что через монументальную скульптуру можно рассказать об исторических событиях, важных для народа, страны, передать переживаемые в те непростые времена чувства.

В преддверье большого праздника, 75-летия Великой Победы ребятам предлагается 2 варианта выполнения работы.

Вариант 1. Создание проекта памятника, посвященного выбранному историческому событию или историческому герою.
Вариант 2. Эскиз монументальной скульптуры к 75- летию Великой Победы.

(Cоздать графический проект мемориального ансамбля, посвященного Победе в Великой Отечественной войне.

Урок № 24-25

Библейские темы в изобразительном искусстве.

1. Библейские темы в изобразительном искусстве

«Картина и икона» познакомиться с презентацией (презентация в пдф)

2. Библейские темы в изобразительном искусстве. Древнерусская иконопись.

Древнерусская живопись принадлежит к высочайшим достижениям национальной и мировой культуры. Иконописание началось на Руси более тысячи лет назад, когда в 988 году крестился князь Владимир, а затем приняли православие многочисленные славянские племена. Русская икона стремилась к воплощению идеальной красоты вышнего мира. Греческие митрополиты и священники привезли на Русь первые, украшенные миниатюрами, книги Священного Писания, драгоценные богослужебные сосуды, церковные облачения и иконы - с них начали писать первые русские образы.

Образы Христа и святых из обширного православного пантеона начали заполнять храмы, княжеские терема и жилища новых христиан. Наиболее распространенными были иконы, посвященные Богоматери, занимавшей особое место в духовной жизни древнерусских людей, почитавших Ее покровительницей своей земли.